Afiche de la película El Acorazado de Potemkin, de Eisenstein.

PARA INVESTIGAR ¿Cuántas personas participaban en la producción de una película hace cien años?

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El cine después de la I Guerra Mundial

Al terminar la guerra, la industria cinematográfica decayó en forma drástica, por lo que en Europa debió partir prácticamente de cero. Sin embargo, en Alemania, en la Unión Soviética y en Francia, las películas tuvieron un significado artístico distinto, algo que marcaría una nueva etapa en la historia del cine.

En Alemania, el cine tomó del expresionismo y el teatro las principales fuentes de inspiración. El ejemplo más reconocido fue la película expresionista El gabinete del doctor Caligari (1919), de Robert Wiene, quien utilizó por primera vez la cámara subjetiva, aquella que muestra lo que el propio protagonista ve.

A mediados de la década de 1920, la capacidad técnica del cine alemán sobrepasaba la de cualquier otro en el mundo. Los directores alemanes le sacaron el trípode a la cámara y la pusieron sobre ruedas, consiguiendo una movilidad nunca antes vista.

Entre 1925 y 1930, la Unión Soviética se llenó de películas revolucionarias en cuanto a temática y fuerza visual se refiere. Las temáticas eran precisamente de la vida diaria, es decir, mostraban parte de la historia que vivía el país.

Los principales directores del cine soviético fueron Serguéi Mijáilovich Eisenstein y Vsiévolod Ilariónovich Pudovkin, muy influenciados por Griffith. Una de las obras que cobraron importancia en este período fue El acorazado Potemkin (1925) de Eisenstein, capaz de representar una gran emoción en la pantalla, gracias a varias secuencias de hechos simultáneos.

Pudovkin, por su parte, fue reconocido por su película La madre realizada en 1925.

Uno de los primeros dibujos de Mickey Mouse, de Walt Disney.

El cine sonoro

La productora Warner Bross fue la primera en introducir el sonido al cine en 1926, con la película El cantante de jazz protagonizada por el ruso Al Jolson, alcanzando un gran éxito entre el público. El sistema sonoro fue conocido como Vitaphone y fue inventado por Lee de Forest, convirtiéndose en el fenómeno más importante de esos años.

La transición entre el cine mudo y el sonoro fue bastante rápida. Muchas salas cinematográficas comenzaron a adaptarse a este nuevo fenómeno que arrasaba con todo. Las películas que siguieron se encargaron de destacar el sonido en forma desproporcionada, como una forma de demostrar que un nuevo elemento, quizás el más importante, había llegado a las pantallas de cine. En esta misma época aparecen las comedias musicales, el cine policial, de terror y las películas animadas, a cargo de Walt Disney.

En 1928, además, aparecería en las pantallas cinematográficas el color, dando un nuevo aire a este arte.

Comienzos del cine en España y Francia

Desde 1896, España comenzó a producir un sinfín de películas, partiendo por Salida de misa de doce del Pilar de Zaragoza, con un estilo muy similar al de los hermanos Lumière, hasta llegar a la popular zarzuela, obra cantada que se convirtió en un subgénero de gran importancia, entre ellas La revoltosa (1924) y La verbena de la Paloma (1935).

La película más importante en la época del cine mudo fue Las Hurdes, tierra sin pan (1932) y Un perro andaluz de Luis Buñuel.

En Francia, el director Louis Delluc da el pie a nuevos cineastas en la producción de películas, como fueron Abel Gance, René Clair, Jean Renoir y Jacques Feyder. Una de las principales producciones fue La pasión de Juana de Arco (1928) de Carl Theodor Dreyer, que junto con Amanecer (1927) pusieron fin a la época del cine mudo, dando paso al nuevo cine sonoro.

Los siete samurais, 1954

El cine japonés

El director de cine japonés Akira Kurosawa, con Rashomon (1951), ganó el gran premio del Festival Internacional de Cine de Venecia, dando a conocer al resto del mundo el cine de su país. Lamentablemente, esto llevó a ciertos productores y directores a plagiar al propio Kurosawa en dos ocasiones, con Los siete samurais (1954), que en Estados Unidos se llamó Los siete magníficos, de John Sturges, seis años más tarde, y con Mercenario (1961), con la que Sergio Leone realiza sus western.

El cine japonés se ha caracterizado por la hermosura de sus producciones, con una fotografía caracterizada por el original empleo del color. Algunas de las más destacadas fueron: Cuentos de la Luna pálida de agosto (1953), de Mizoguchi; La puerta del infierno (1954), de Kinugasa; La sombra del guerrero (1980), de Ram (1985); Los sueños de Akira Kurosawa (1990); La balada de Narayama (1983) de Shoehi Imamura o las películas de Nagisa Oshima, como El imperio de los sentidos (1976).

La filmación de una película